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▲  호암미술관 제1 전시장에서 본, 로비에 루이즈 부르주아 작품 '더 커플(The Couple)' 알루미늄 365.1×200×109.9cm 2003


ⓒ 김형순




루이즈 부르주아(Louise Bourgeois) 전이 호암미술관에서 '덧없고 영원한'이라는 제목으로 2026년 1월 4일까 부천파산 지 열린다. 한국에서 25년 만에 열리는 최대 규모의 회고전으로, 회화, 조각, 설치 등 총 106점의 작품을 선보인다. 부르주아는 남성 중심주의의 벽을 깨고 20세기 미술의 거장이 되었다. 그녀의 예술을 한국 관객들도 가까이서 온전히 감상할 수 있게 되었다.

이번 전시는 그녀의 아시아 순회전의 하나로, 뉴욕 이스턴 재 당일담보대출 단(The Easton Foundation)과 함께 기획되었다. 호주, 시드니 '뉴사우스웨일즈 아트갤러리', 일본, 도쿄 '모리미술관', 대만, 타이페이 '푸본미술관' 그리고 한국, 용인 '호암미술관'에서 마지막 여정으로 대미를 장식하게 됐다.
전시 제목 '덧없고 영원한'은 부르주아가 쓴 글에서 가져왔다. 모순과 역설의 미학이다. 순간과 4800만원 영원, 사랑과 증오, 억압과 해방, 욕망과 분노, 고통과 환희 등 '양가성'이 눈에 띈다. '젠더와 페미니즘, 정신분석, 신체, 기억, 트라우마' 등 시대정신의 키워드가 작품 전반에 깔려있다.

'부르주아'는 누구인가?




도치





▲  루이즈 부르주아 초상, 2003. Photo : 낸다 랜프랭코 ⓒ The Easton Foundation/Licensed by SACK, Korea

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ⓒ The Easton Foundation




루이즈 부르주아(1911~2010)는 프랑스 파리 태생의 미국 미술가다. 20세기 미술사에서 가장 독보적인 미술가로 평가받는다. 직물 제조공이었던 부모님 일을 도우며 살 때는 평범했다. 어린 시절 아버지의 외도 등으로 가정 내 갈등이 불거져 심리적 상처를 크게 받았다.

그녀는 소르본 대학 수학과에 들어가 기하학을 전공했다. 어머니와 사별 후, 미술로 전향해 파리 국립미술대학 등에서 공부했다. 그녀를 지켜봤던 작가 페르낭 레제(F. Leger)는 그녀의 재능을 발견하고 조각가의 길을 열어줬다. 1938년에 미국으로 건너가 그곳에서 미술사학자 로버트 골드워터(R. Goldwater)와 결혼했다.
1945년 첫 개인전, 그러나 시선을 끌지는 못했다. 70세에야 인정을 받았다. 1982년 뉴욕현대미술관(MoMA)에서 여성으론 처음 전시를 열었다. 1999년에 베니스비엔날레에서 '황금사자상'도 탔다. 2000년 88세 때 '테이트모던' 전에서 최고 작가로 등극했다. 98세로 타계한 후에도 구겐하임 등 세계 주요미술관에서 회고전이 열렸고, 그곳 미술관에 작품이 소장됐다.

개인적 서사가 작품에 준 영향










▲  루이즈 부르주아 I '좋은 엄마' 천, 실, 스테인리스 스틸, 목재, 유리. 2003 뉴욕 이스턴 재단 소장. 작가는 엄마를 보호하고 양육하며, 치유하고 회복시키는 동시에 강인하면서도 때로는 고통스러워하는 양가적 존재로 묘사했다.


ⓒ 김형순




그녀의 어록에 이런 말이 있다. "개인의 사소한 기억도 충분히 보편의 언어가 될 수 있다." 어린 시절에 받은 상처와 기억, 두려움과 버려짐 같은 아픔을 높은 예술성으로 끌어올려 세계 미술사에 빛나는 인류문화유산과 같은 예술품을 남겼다.

지난 50년간 작품의 주제에 대해 작가는 "어린 시절에 뿌리를 두었다"라고 했다. 그만큼 그녀의 작품 세계는 어린 시절 부모와의 관계, 가족 간 긴장과 갈등 등 개인적 서사와 관련이 깊다. 그녀의 대표작은 역시 '마망(엄마)'이다. 모성의 이중성을 극적으로 표현했다. 보호와 위협의 공존이랄까? 마망의 아래 알집은 따뜻한 피난처를, 거미의 긴 다리는 위험한 감옥처럼 느껴진다.
또 작가는 상처와 아픔을 회복해 가는 과정을 '천, 실밥, 해진 옷' 등 매듭처럼 꿰매는 은유의 방식을 취했다. "예술은 상처를 꿰매어 고통을 해결하는 것이다. 두려움은 지워지는 것은 아니지만, 기학학적 형태를 통해 예술로 승화시킬 수 있다" 등의 말을 작품으로 구현했다.
덧붙여 작가는 "내 상처가 내 조각이 된다. 상처를 숨기기보다 드러낼 때 비로소 힘이 된다. 바늘은 상처를 고친다. 상처 입은 것을 꿰매고 이어 붙인다. 이건 용서의 행위다"라고 자신의 작품 세계를 요약했다. 우리는 이런 방식을 '봉합의 조각'이라고 부른다.

가부장제 비판, 아버지의 파괴










▲  루이즈 부르주아 I '아버지의 파괴(The Destruction of the Father)' 보존용 폴리우레탄 수지, 목재, 천, 붉은 조명 237.8×362.3×248.6cm 1974-2017. 오이디푸스 콤플렉스도 연상된다


ⓒ 김형순




1974년 작 '아버지의 파괴'는 가부장적인 아버지에 대한 반발과 상상적 복수심을 다른 것이다. 작품의 톤이 붉은색이라 분노가 치솟는 것 같다. "내 조각 속의 분노는 아버지의 배신에서 비롯됐다"라고 털어놓았다. 관객의 눈에도 아버지의 불륜으로 인한 가정의 분란이 보인다.

어머니가 그런 아버지의 배신을 묵묵히 감내하는 모습을 보며, 그때 작가가 경험했던 불안함과 좌절감을 읽어낼 수 있다. 그런 요소가 가족 내 억압과 분노, 단절과 균열, 공포와 상실의 감정을 쌓게 했을 것이다. 그런 감정이 터지기 직전의 상태가 어떤지를 작품에서 엿볼 수 있다.

내면 감정의 솔직한 표출










▲  루이즈 부르주아 I '웅크린 거미(Maman 마망:엄마)' 청동에 갈색, 광택 처리된 파티나, 스테인리스 스틸. 270.5×835.7×627.4cm. 2003. 뉴욕 이스턴 재단 소장품


ⓒ 김형순




부르주아 대표작 '마망(엄마)'에는 어머니에 대한 애도와 추모의 정을 담고 있다. 그녀 어머니는 베를 짜고 태피스트리(tapestry) 직물을 수선하는 일을 했다. 거대한 거미에서는 실을 뽑아내 집을 짓는 모습도 그렇지만 찢긴 장면을 한 모습에서는 어떤 난관과 탄압도 감내하는 강인함을 보여준다.

그녀는 어떻게 20세기 최고의 거장이 되었나? 그녀는 가부장제의 공포 시절에 이를 뚫고 내적 감정을 용감하게 표현했기 때문이다. 그래서 그녀의 작품을 '심리적 자서전'이라고도 한다. 표현의 자유는 예술의 본질적 요소이다. 예술가는 감정을 표현하려면 모든 면에서, 자유로워야 하고, 강인한 정체성을 갖춰야 한다. 부르주아는 이런 능력에서 특출했다.
작가는 이런 난제를 잘 풀어내는 유례가 없는 재능과 감각을 갖추었다. 남들이 보내오는 시선에 신경 쓰지 않았다. "조각은 단순한 시각적 표현을 나타내는 이미지나 아이디어가 아니라 더 깊은 심층을 전달하는 것이다"라는 말에서도 알 수 있듯 작가는 창작의 본령에 충실했다.

프로이트 세계의 예술화










▲  루이즈 부르주아 I '무의식의 풍경(Unconscious Landscape)' 청동에 검은색 광택 처리된 파티나 이스턴 재단 소장 뉴욕 1967-1968. 성적 메타포의 분위기를 풍긴다


ⓒ 김형순




작가는 1952년부터 1967년까지 무려 33년간 정신분석을 받았다. 프로이트의 세계를 예술화했다고 할까. 그녀와 정신분석은 떼려야 뗄 수 없었다. 프로이트가 발견한 무의식이라는 신대륙에서 억악된 트라우마를 예술로 승화시키는 독창적 예술을 창안한 것이다.

그녀의 작품에 성을 상징하는 남근과 여근의 이미지가 자주 등장한다. 가부장 사회 속에서 여성도 리비도가 있는데 이를 억압하고 외면하고 살다 보면 결국 여성이 한 인간으로서 존재감을 상실하고 열등하다고 좌절할 수 있다는 걸 작가는 잘 알고 있었다. 이에 처절하게 저항했다.
독일 철학자 아도르노(1903~1969)는 인간이 리비도를 억압하면 할수록 더 깊은 죄의식이 내면화돼 인간이 권력 앞에 더 굴종적으로 된다고 봤다. 죄책감 없는 리비도는 가장 중요한 정치 교육이고, 열등감 제로 인간 즉 '강한 자아'를 가진 성숙한 민주시민을 만드는 근간이 된다고 생각했다.
여성이 강한 자아를 가지기가 쉽지는 않다. 그럼에도 부르주아는 그런 죄책감을 버리고 용기를 가질 때 인간의 본질을 회복된다고 봤다. 우리도 부르주아의 작품을 볼 때 좀 낯설고 불편하게 느껴질 수도 있다. 왜냐하면, 한국도 아직 리비도를 심하게 억압하는 사회이기 때문이다.

심리적 감옥, '검은 날들'










▲  루이즈 부르주아 I '밀실: 검은 날들(Cell: Black days)' 철, 천, 대리석, 유리, 고무, 실, 목재 304.8×397.5×299.7cm 2006. 부르주아의 후기 대표작으로, 철제와 유리벽으로 둘러싸인 방 형태를 취하고 있다


ⓒ 김형순




끝으로 작가의 심리적 고립감을 연상시키는 '밀실' 연작을 보자.

주로 외부와 단절된 듯한 공간 안에 특정 오브제를 배치하여, '검은 날들'이라는 부제에서 짐작할 수 있듯, 작가의 특정한 경험과 심리적 상태를 연극 무대처럼 꾸몄다. 이 작품은 작가의 삶에서 어둡고 고통스러웠던 순간이나 심리적 갈등이 치유되는 과정도 엿보인다.
작가는 어두운 공간 안에 고가구, 인체 모형, 의류 같은 사물을 배치해 작가의 심리적 감옥을 형상화했다. 다시 말해 오랫동안 우울하고 고통스러운 정신적 상태를 물리적 공간으로 구현한 셈이다. 설치 작품의 형식으로 단순한 물질의 조합이 아니라 감정과 기억의 구조로 그려냈다.
김성원 리움미술관 부관장은 "이번 전은 부르주아의 초기 회화에서 말년의 섬유 작업에 이르기까지 70여 년 창작 여정을 한눈에 조망하고 있어, 관객들이 그 여정을 따라 깊은 예술적 경험과 감흥을 받았으면 좋겠다"라고 소회를 밝혔다.

한편 서울 국제갤러리(K3/한옥)에서도 지난 2일부터 오는 10월 26일까지 루이즈 부르주아의 개인전 'Rocking to Infinity'가 열린다.










▲  루이즈 부르주아 I '더 커플(The Couple)' 154.9×76.2×66cm 2007-2009


ⓒ 김형순




부르주아가 일상적 용품을 캔버스로 사용해 일기장 같은 사적 분위기로 연출한 전시다. 작가가 생애 후반의 20여 년에 걸쳐 작업한 조각 및 소묘 등을 엄선했다. 아이를 품에 안아서 달래는 어머니의 이미지 등 감정과 관계에 관한 정서적 평안함을 환기하는 작품이 많다.

'더 커플'(2007~2009)은 여성의 머리에서 뻗어 나온 나선형 구조 속에 남녀가 포개져 있는 모습이다. 두 사람은 다시는 분리되지 않을 것처럼 강력하게 끌어안고 있다. 긴박한 결합의 순간을 여러 겹으로 매달아 놓았다. 작가가 열망하는 여성의 정체성 탐구에 대한 강력한 욕구가 보인다.
덧붙이는 글